MATTE PAINTING

PROYECTO MATTE PAINTING

Índice:

- Antecedentes

- En la actualidad

- Estilos y tendencias

- Tutoriales

- Creación de mi Matte Painting
- Resultado

ANTECEDENTES

Matte Painting | Más allá de lo que ven tus ojos

Para hablar del Matte Painting tenenemos que remontarnos a la antigua Grecia, hubo una vez un artista muy popular y reconocido por el increíble realismo de sus cuadros llamado Parrhasius. Un día, un pintor rival, Zeuxis, le propuso el reto de ver quién de los dos era capaz de pintar el cuadro más realista y por lo tanto, poder proclamarse como mejor pintor de Grecia. Así pues, cada uno toma una parte de una pared y se ponen a trabajar en secreto. Zeuxis decide pintar una fuente con frutas. Cuando acaba, descorre la cortina que ocultaba su trabajo para contemplarlo y mostrárselo a su rival, y en ese mismo momento un pájaro vuela hacia la pintura con el fin de picotear las piezas de fruta y choca con la pared víctima de la ilusión. Zeuxis estaba seguro de su victoria ya que una imagen capaz de engañar a un animal tenía que ser forzosamente el dibujo más perfecto jamás creado. Al cabo de un rato, Zeuxis le pide a Parrhasius que descorra la cortina para que pueda ver su pintura y él le responde que la cortina es su pintura. Así pues, Parrhasius ganó pues su pintura consiguió engañar a un hombre, mientras que la pintura de Zeuxis sólo sonsiguió engañar a un pájaro. De esta anécdota se concluye que nada mejor para interesar a un hombre que hacerle suponer algo más allá de lo que ven sus ojos. Esta es la base primordial sobre la que se construye una de las disciplinas más maravillosas del cine: los efectos especiales de la cúal surge el matte painting. Pero antes, un poco de historia.

En el siglo XV, Filippo Brunelleschi, pintor y arquitecto renacentista, descubrió la perspectiva en la pintura, aplicando las leyes de la geometría proyectiva al problema de representar la realidad de tres dimensiones en un plano bidimensional. León Bautista Alberti, otro genio florentino, adaptó y puso por escrito los descubrimientos de Brunelleschi en un libro publicado en Italia en 1436. El descubrimiento de Brunelleschi vino a conocerse, por eso, como perspectiva albertiana.

Experimento que demostraba las teorías de la perspectiva albertiana 

Brunelleschi y Alberti simplificaron la visión a un solo ojo e imaginaron que los rayos de luz entran a él en un haz cónico o piramidal. Cada línea atraviesa en un solo punto el plano de la pintura, interpuesto entre los objetos tridimensionales y el ojo, lo que permite así un proceso de proyección ordenado y coherente, con un punto de fuga único, correspondiente al ojo, que se ubica en el horizonte de la representación pictórica. Todas las ortogonales del objeto o la escena que se representa convergen en ese punto. De esta manera las características topolólicas (como el número de bordes y esquinas) se mantienen, pero la forma se deforma según la distancia y el ángulo del plano interpuesto respecto al observador (la pintura).

Así, en 1420, Brunelleschi sorprendió a la ciudad de Florencia con una innovadora técnica de pintura que aplicaba la perspectiva realista para dotar de profundidad al lienzo, algo que no se había hecho con anterioridad. Para su demostración, Brunelleschi pintó dos cuadros con el mismo tema, el Baptisterio (edificio famoso de la ciudad); en uno aplicó las tradicionales técnicas de pintura plana, mientras que en el otro aplicó la innovadora perspectiva albertiana. Luego le hizo un agujerito cónico al cuadro, exactamente en el punto de fuga. Cuando una persona se ubicaba en la puerta de la catedral y miraba al Baptisterio por el orificio por detrás de la pintura, con un espejo en la otra mano podía verificar que la imagen pintada correspondía exactamente al edificio real; para completar el efecto, coloreó con pintura metálica el cielo, de manera que el asombrado público pudo observar como las nubes reales se reflejaban y se movían empujadas por el viento sobre los edificios de aspecto realista. La técnica inventada por Brunelleschi supuso toda una revolución sobre el concepto de arte pictórico que se había tenido hasta entonces, cuyos ecos resonaron, muchos años más tarde, a oídos del arte cinematográfico. Se habían asentado las bases para la construcción de matte paintings, las pinturas sobre mate, unos de los trucos más habituales y más antiguos en la creación de efectos especiales en el cine.

Georges Mélies, prestidigitador experimentado y director del teatro de ilusionismo Robert Houdin, quedó fascinado con el invento y trató de comprar el cinematórafo de los Lumiére; pero fue un intento fallido, pues el padre de éstos no accedió a venderlo argumentando que “el aparato podría ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero que no tenía ningún porvenir comercial”. Desde entonces Méliés insistió una y otra vez con el tema de cine, hasta crear su propio estudio y empezar a rodar películas en las que reproducía los decorados y trucos que conocía de su época del teatro.

El tiempo demostró lo equivocado de las palabras de los Lumiére. Hacia 1896 la gente comenzaba a aburrirse de las mismas proyecciones y fue entonces cuando con su ingenio, trucos de magia, prestidigitación y escenografías teatrales, Georges Méliés convirtió al cine en espectáculo. Aunque no fue el primero en hacer películas de ficción, históricamente se le reconoce como el padre del espectáculo cinematográfico y de la ficción fílmica. Méliés explotó las cualidades narrativas de este medio, demostrando así que podía recrear y hasta inventar la realidad.

El descubrimiento de los efectos especiales le llegó a Méliés fortuitamente, mientras proyectaba una cinta tomada días antes: vio con asombro cómo un autobús se transformaba bruscamente en una carroza fúnebre. Después de reflexionar un poco, descubrió que la película se había detenido al momento de tomar las imágenes. Un incidente insignificante lo convirtió, tiempo después, en un maestro en el manejo de la cámara y del truco en la pantalla, desarrollando infinidad de recursos que son la base de los efectos especiales y que se han seguido empleando durante décadas.

Entre estos recursos, Méliés, con la inestimable ayuda de Norman Dawn, un joven artista que había quedado maravillado con los trucos de espejos y luces que usaba el director de teatro, ideó una aplicación práctica de éstos para poder mostrar en pantalla cosas que realmente no estaban sucediendo delante del objetivo: colocó un espejo delante de la cámara en un ángulo de 45 grados con algunas partes raspadas para que se viera sólo el cristal. De esta manera se podían rodar y superponer dos escenas al mismo tiempo, una que se desarrollaba frente a la cámara y se veía a través del cristal descubierto del espejo, y otra que se desarrollaba perpendicular al eje de la cámara y que se reflejaba en las zonas intactas del espejo. Posteriormente, Dawn y Méliés mejoraron el truco añadiendo pinturas sobre ciertas partes del espejo, creando así decorados virtuales realmente asombrosos. Habían nacido oficialmente los primeros matte paintings.

                                                                                    

                   Algunos de los trucajes hechos por Méliés basados en las técnicas de Brunelleschi

                   Diagrama que muestra la situación espacial de las cámaras y el set de grabación

En plena fiebre creativa, Norman Dawn tuvo que dejar Francia para irse a trabajar a Los Angeles como fotógrafo. El 11 de febrero de 1905 le encargaron que realizase unas fotografías a un edifico cuya fachada se veía afeada por un molesto poste de electricidad. Mientras Dawn retocaba minuciosamente las fotografías para solucionar el problema, fue un colega suyo llamado Max Handshiegl, quien le proporcionó una sencilla solución: bastaba con poner un cristal entre la cámara y el edificio con un árbol pintado en el lugar donde debía ir el poste, se tomaba la foto y asunto arreglado. Ese banal comentario supuso para Dawn toda una revelación, ya que dio con el método para poder hacer matte paintings mucho más baratos e igual de efectivos sin tener que usar las complejas técnicas de Méliés con los espejos. Este descubrimiento cautivó a Hollywood que vio como sus decorados podían aumentar de tamaño de manera espectacular y cautivar a los espectadores de la época. Fue así como Dawn se convirtió en el creador de efectos especiales mejor pagado de su tiempo.

Representación de la fotografía que hizo Dawn en 1905 

Grabación con un matte painting

Creación de un matte painting sobre una superficie de cristal

Pero Norman Dawn no se conformaba con eso, e intentó poner en práctica una serie de ideas para mejorar sus matte paintings, aunque sin éxito. Sin embargo, la fortuna le sonrió en el año 1914 cuando adquirió por 1800$ la primera cámara enteramente hecha en metal, un modelo Bell & Howell 2709. Esta cámara, a diferencia de las anteriores fabricadas en madera, poseía otro tipo de mecanismo que la hacía ideal para los propósitos de Dawn.

En una variación del método del panel de cristal, la cámara se coloca en la posición deseada apuntando al escenario con un cristal en medio, pero en este caso se enmascaran de color negro ciertas áreas que después serían pintadas para incrustar el decorado virtual, y se filma la escena con los actores a través de las zonas transparentes del cristal. De esta manera, el rodaje se facilitaba mucho, ya que era más rápido pintar un cristal de color negro que dibujar complejos paisajes que debían ser ajustados con la acción real que sucedía detrás de ellos.

De vuelta al estudio, Dawn situó una Bell & Howell 2709 frente a una pizarra iluminada con fluorescentes azules. La cámara, dotada con un sistema óptico especial, le permitía ver la pizarra sobre la que él crearía su pintura mientras simultáneamente veía una tira de negativo con el material filmado previamente con los actores. Dawn podía pintar su matte painting y ejecutar lo que llamaba tests de exposición, que usaba para asegurarse de que la línea del dibujo encajaba con el borde de la película y no hubiera diferencias sustanciales de color entre lo real y lo sintético. Una vez los tests habían resultado satisfactorios, se volvía a rodar ese trozo de película con el matte painting delante de la cámara y las zonas que antes correspondían a las transparentes del cristal ahora se pintaban de negro para que no quedasen expuestas en el fotograma. De esta manera, el matte painting se imprimía sobre el negativo en las zonas del fotograma que correspondían a las zonas negras del cristal.

Uno de los muchos matte paintings usados en El caso Paradine y su correspondiente fotograma

Las técnicas de Matte Painting se han ido combinando con miniaturas, maquetasy proyecciones hasta la aparición de las técnicas digitales, dond los trucajes han alcanzado un grado de erfección y detallismo impresionante.

Variación del método de Dawn que permitía añadir efectos atmosféricos en el laboratorio

Grabación de una escena de King Kong mediante maquetas y decorados superpuestos.

Fuente: Tar-Calion     http://blog.renderfarmstudios.com.mx/2013/04/breve-historia-del-matte-painting/

EN LA ACTUALIDAD

El Matte Painting es una técnica que permite crear cualquier tipo de escenario imaginario a partir de fotografías e ilustración y la correcta mezcla de éstas para obtener resultados realistas con un nivel de detalle abrumador. Se aplica a nivel profesional en todo tipo de ámbitos, como el editorial, la publicidad, el cine y los videojuegos. Tradicionalmente, el matte painting era realizado por artistas que usaban pinturas o pasteles en grandes hojas de vidrio que se integraban con las imágenes en vivo. 

A mediados de los años ochenta, los avances en los programas de gráficos por computadora permitieron trabajar el matte painting en el ámbito digital, así la pintura ha sido reemplazada por imágenes digitales creadas con referencias fotográficas, modelos tridimensionales y tabletas de dibujo.

Hoy en día, los avances en los programas de edición digital permiten que, con un mínimo de habilidades de manipulación de imágenes, sea posible realizar pinturas de matte painting realistas en poco tiempo y crear, a medida, el fondo que se necesite para un proyecto de diseño.

ESTILOS Y TENDENCIAS

Los diferentes estilos para realizar Matte Painting podemos resumirlos en estos puntos:

• 3D.
• Ciencia Ficción.
• Conceptual.
• Infantil.
• Fantástico.
• Personajes.
• Surrealista.
• Figurativo.

En cuanto a las técnicas para realizar el Matte Painting podemos clasificarlas en tres categorías:

• Digital.
• Digital 3D.
• Artesanal.

TUTORIALES

Con el siguiente tutorial presentado por el sitio Photoshop Tutorials aprenderemos a crear un paisaje fantástico muy al estilo de Game of Thrones.

How to Create a Mountainous Matte Painting in Photoshop

Otros tutoriales en video

Matte Painting Photoshop Tutorial Español - Dragón

Jhan Kevin  Publicado el 7-10-2017

Dream Home Waterfall | Photoshop Manipulation Part1
Dream Home Waterfall | Photoshop Manipulation Part2
Dream Home Waterfall | Photoshop Manipulation Part3

Arunz Creation  Publicado el 4-3-2016

Photoshop manipulation tutorial | Matte Painting tutorial | London Bridge

Archie Frame    Publicado el 15-09-2015

También podemos encontrar información sobre esta técnica en:

https://www.behance.net/
https://www.learnsquared.com/
http://www.levelup.com/
http://mattepainting.org/

CREACIÓN DE MI MATTE PAINTING

Los temas para realizar con esta técnica son muy amplios y en este caso nos vamos a centrar en exteriores.  Algunos ejemplos pueden ser: Paisajes apocalípticos, góticos, realismo mágico, bélico, mundo mágico, catástrofes naturales, ocutismo, ...

En mi caso, se me ha ocurrido realizar una imagen al estilo de la película Avatar, donde voy a  colocar fragmentos de la Alhambra flotando en el cielo y encima de rocas gigantes.  La Alhambra viaja por un paisaje desértico buscando agua para subsistir.

BOCETO

Empezamos imaginándonos el paisaje y hacemos un boceto en la capa inicial de Photoshp, la cual nos servirá para ir colocando en capas posteriores las imágenes o fragmentos en las zonas donde hemos marcado que van. Esta capa, al final del trabajo, la podremos eliminar si no nos interesa conservarlo.

BATERÍA DE IMÁGENES / PINCELES / GAMA

El siguiente paso será buscar una multitud de imágenes en internet que nos sirvan para nuestro proyecto.  Tendremos la precaución de que las imágenes que seleccionemos tengan más o menos la gama de color en la que queramos que vaya nuestra ilustración.

Yo he escogido una gama de tonos cálidos para el desierto, la Alhambra y las rocas y unos colores azules oscuros para el cielo que en el resultado final irá degradando hacia otros tonos más claros.

El pincel que utilizo para ir integrando los elementos es un pincel blando con una opacidad y un flujo muy bajo.

Estas imágenes o recortes de las mismas, las iremos cargando en capas de Photoshop colocándolas según nuestro boceto.

INTEGRACIÓN / TRANSFORMACIÓN

Voy seleccionando zonas de las imágenes que me interesan para incorporar a mi boceto y las voy recortando y situando encima de mi dibujo. Estos recortes los voy perfilando usando la goma de borrar y a las capas colocadas les voy bajando la opacidad según me interese para crear el efecto deseado.

Uso las herramientas de Escala, Volteo, Perspectiva, Rotar, Distorsión y Deformación en los elementos que me interese para darle la forma deseada.

AJUSTES

Juego con los Niveles, el Tono, el contraste o la saturación hasta conseguir el efecto deseado intentando que los elementos se vayan integrando en cuanto a color y tono.

Creo capas de ajuste y relleno en los elementos que me interese de la siguiente forma:

- Clic derecho sobre la capa a ajustar
- Crear máscara de recorte
- Selecciono con la varita mágica todo menos el elemento seleccionado
- En capa máscara pulsamos Alt + Clic para ver la máscara
- Hacemos un relleno masivo en el área seleccionada
- Para dejar de ver la máscara pulsamos otra vez Alt + Clic
- En la máscara ajustamos los niveles
- También podemos crear una capa de recorte para ajustar el tono o la saturación

CORRECCIÓN DE COLOR

Existe una herramienta fantástica para igualar el color de las imágenes que consiste en lo siguiente:

- Seleccionamos la capa donde vamos a intervenir
- Pulsamos en Imagen / Ajustes / Igualar Color
- En el cuadro de diálogo, apartado Origen, seleccionamos nuestro documento, y debajo le indicamos la capa con la que queremos igualar el color.  Movemos los niveles que aparecen en la parte superior hasta aproximarnos al color que nos interesa.

Otra herramienta que nos puede ser muy útil se encuentra en Imagen / Ajustes / Consulta de Colores.  Para utilizarla creamos una copia de todas nuestras capas en una sola capa superior pulsando Mayúscula + Alt + Comando + E.  De esta forma mantendremos nuestras anteriores capas intactas.  Una vez creada la copia nos iremos a Imagen / Ajustes / Consulta de Colores, y allí podremos utilizar entre otras opciones el efecto MOON LIGH que nos convierte el día en noche.


ILUMINACIÓN

Al igual que en proyectos anteriores creo una capa de Iluminación General y Otra de Iluminación Puntual con un 50% de gris y en modo de fusión superponer.  Con tinta negra oscurezco algunas zonas y con tinta blanca aclaro otras.  (proceso explicado con detalle en el primer proyecto de Photoshop).

También tenemos a nuestra disposición otra herramienta muy útil para la iluminación que se encuentra en Filtro / Interpretar / Efecto de iluminación.  Con ella podemos iluminar zonas de nuestra imagen desde ángulos diferentes.  Esta herramienta cuenta con tres opciones: Focos, Luces puntuales y Luz infinita.

ATMÓSFERAS

Para crear ciertas atmósferas podemos incorporar a nuestra imagen otros elementos como bandadas de pájaros, nubes, etc..., utilizando imágenes de internet.

También podemos incorporar texturas para crear ciertos ambientes o acabados.  Sistema explicado en el primer proyecto de Photoshop.  En mi caso y para este proyecto, después de probar con varias imágenes de texturas, decido no aplicar ninguna de ellas ya que me parece mas interesante la imagen sin ellas.

RESULTADO